取り上げる CD ２０枚：　ミュンシュ／オーマンディ ’62／アンセルメ／マルティノン／メータ ’70／フレモー／デ・ワールト ’74／バレンボイム
／バーンスタイン／カラヤン／デュトワ／小澤／クラウス・ペーター・フロール／レヴァイン／プレートル ’90／ミュンフン／グザヴィエ＝ロト
／マルツィオ・コンティ／ヤンソンス ’19／カントロフ

CD 評はこちら（サン＝サーンスの人物と曲の解説を飛ばします）

　サン＝サーンスの最も有名な曲について演奏を聞き比べてみましょう。交響曲第３番「オルガン付き」です。でも最も有名なのは、むしろ「白鳥」（パロディ音楽「動物の謝肉祭」〜）の方でしょうか。夢見るようにやすらかで、少し哀しみも混じったりするこれ以上ない見事な旋律にうっとりします。どうしたらこんな曲が作れるのでしょう。他にも「序奏とロンド・カプリチオーソ」というのもこの人の作品でよく演奏されます。ジプシーのヴァイオリン協奏曲、みたいなやつです。そして、それぐらいかもしれません。クラシック音楽がかなり好きな人なら、他にもヴァイオリン協奏曲の３番やピアノ協奏曲の２番、チェロ協奏曲なんかを聞かれるかもしれませんし、断片のような作品のいくつかや交響詩、プルーストが好きだったヴァイオリン・ソナタ、個々の楽器をやる人にとっては馴染みの深い晩年の傑作三つ（オーボエ／クラリネット／バスーンの各ソナタ）、それにオペラ・ファンの方には「サムソンとデリラ」もあるかもしれませんが、ちょっと好き、ぐらいの愛好家だとなかなかそこまで深堀りもしないんじゃないでしょうか。たくさん作った人なので一発屋というつもりもないけれど、サン＝サーンスという作曲家、受け止められ方としてはベルリオーズやフランクと並んで、ちょっとそんな気配はあります。


クラシックの入門曲
　この「オルガン付き」というニックネームは、文字通り曲にパイプ・オルガンが加わっているからです。あまり言われないけど、他にもピアノまでもが付いています。サン＝サーンスはピアニストでもあり、その後弾かなくなったものの教会のオルガン奏者だったこともあるわけで、この人の要素が全部詰まっています。「この曲には私が注ぎ込める全てを注ぎ込んだ」と本人も述べているほどの自信作なのです。最盛期の頂点の作品、とも言われます。３管編成でかなり人数が多い上に、そんな変則楽器のおまけまであるのです。大規模なオーケストラは華やかな響きであり、クラシックの入門曲としても相応しいものです。ここでタイトルに「入門曲」と付けたのもそんな理由からです。それに加えて何より大変きれいなメロディーが堪能できます。緩徐楽章に当たる部分は「惑星」の木星に一瞬似ていなくもない感じで、クラシックの静かなオーケストラ曲の中でも一、二を争う美しさだと思います。


オーディオ・チェック用？
　もう一つ。パイプオルガンは大変低い音まで出ます。スコアで確認したところ、この曲では音程で C1、３２.７ヘルツぐらいまでの音が聞けます。オルガンのパートは最後の部分にもありますが、目立つのは第二楽章に当たる（実際は構成上第一楽章の後半部）静かな部分です。音響装置が再生できれば部屋を震わすような音になるでしょう。集合住宅にお住まいの方には難しい上に、本来の楽譜通りならそこまで大音量にもならないわけだし、曲の本質にも関係ないのですが。ただ、こんな風に重低音が聞けるシンフォニーとなると、他に有名なところではこの二十年後のマーラーの第８ (1906) や二十九年後に作曲されたリヒャルト・シュトラウスのアルプス交響曲 (1915) があるぐらいではないでしょうか（オーケストラ作品全般に広げるなら「ツァラトゥストラ (1896)」や「惑星 (1917)」、「ローマの松 (1924)」もあります。重低音ではなく、ただオルガンが活躍するものならさらに前の時代からも存在します）。したがってサン＝サーンスのこの曲はその意味ではパイオニアだったと言え、現代ではよくオーディオ・チェック用だなどとも言われて来ました。今やオーディオ店も軒並み閉業し、この分野に興味のある人はすでに絶滅危惧種になっていますが、ビリビリと窓が鳴るのを楽しむ人もいるというわけです。

　ただ、実際にそれを味わうのはそれなりに大変ではあります。３０センチ口径ぐらいの大きめのユニットが付いた高価なスタジオ・モニターでも５０ヘルツまでしかフラットに出していないものが多いわけで、蜜柑箱ぐらいの一般的なブックシェルフ型のスピーカーではそれ以下はよく聞こえないからです。このレポートではどの CD で低い音が出ているか後で述べますが、確認しているスピーカーは何とかそこまで聞こえるものを使っています。３５ヘルツぐらいまではほぼほぼフラットで、共鳴器と部屋の反射も加勢してながら３０ヘルツでも発振器の入力があまり下がらずに聞こえるレベルは維持しています。別に自慢してるのではなく、何かしらの工夫をしないと普通は C1 などの音程はなかなか難しいというお話です。置き方として推奨はしませんが、スピーカを地べたのコーナーに設置すれば比較的低い方まで出せるかもしれません。質はともかくとして安価な別付けのサブ・ウーファーという装置も存在します。

　余談ながら、理想としてはどこまでの低音再生を求めるべきかという話なら、オルガンは楽器としては１６ヘルツぐらいまで出ます。こうした超低音を聞くとお化けが見えるって話がここのところ都市伝説の野火みたいに広がってるけど、最近になって日没後に車内に黄色い電球を灯した江若鉄道の二両編成が琵琶湖のほとりを走ってるのをサンダーバードの車窓から見た知人がいます。後で調べて線名分かったんで先入観じゃないんです。廃線電車の幽霊って、誰の想いで化けてるんでしょう。低音再生、チャレンジしてみてください。でも２０ヘルツ以下は可聴帯域外で、教会のように頑丈な建物の中で大きな音で響かせれば地震が来たかと思うような圧迫感になるようではあるものの、２０ですらスピーカーからの音量を上げてもパタパタという機械振動しか感じません。現代音楽にそういう低いのがあるかどうかは知らないけれども、楽音としてはこのサン＝サーンスの３２ヘルツぐらいが最低でしょう。あとはグランカッサ（大太鼓）のドスンという音かチャイコフスキーの大砲ぐらい。実際に人が重低音と感じるのは５０ヘルツから下、３０ヘルツまでの間なので、３０が聞こえていれば全くもって上等ということになります。


サン＝サーンスについて
　作曲家カミーユ・サン＝サーンスは１８３５年、パリのど真ん中、ノートルダム寺院のあるシテ島南側のカル チェ・ラタン地区に生まれたフランスの作曲家です。ブラームスの二つ下なので、区分としてはロマン派の時代。同じフランスで言うならベルリオーズと印象派のちょうど真ん中あたりという世代です。近いところではフランクが十三歳下で、門下生で本人がその一家の世話にもなったフォーレよりは十歳年上になります。印象派に寄った作風の作品が全くないわけではないものの、新古典派と呼ばれるブラームス同様保守的なところがあり、交響曲、協奏曲といった、以前からドイツの伝統であった形式をフランス人ながら踏襲して作曲し、晩年は特に新しい音楽に対して批判的でした。理論によって成立する新ウィーン楽派の無調音列音楽に対して「経験の自然な表現を妨げている」として反発したのは分かるとしても、印象派音楽やストラヴィンスキーに対しても辛辣な言葉を残しました。学者の先生方（茶化した言い方でしょうか）が技法的な意味からこのサン＝サーンスの作曲家としてのあり方を議論しようとすると、喧々諤々というのか、論文を読むのも大変なぐらい込み入った表現になってしまうようです。したがって専門的な部分にはここでは能力不足で踏み込むことが出来ません。全てあくまでも感性的な話です。

　どんな人だったのでしょうか。人生前半戦で言われるのはまず、大変な神童だったということです。この世界、神童は掃いて捨てるほどいるけれども、三歳で作曲したというのは早過ぎるでしょう。五歳になるとピアノ演奏を披露しました。才能があったのは実は音楽だけではなく、分筆・学問にも優れた能力を発揮したようです。詩人とも言えるし、後年は評論家でもありました。天文学にも明るかったようです。それならば例によって発達障害的な性質があったかというと、別段そうは言われていません。あるいはそうだったかもしれないし、違うかもしれません。

作風は？
　ただ、この人の音楽を聞いているとちょっと感じることはあります。それを「誇大」と言うと批判的になりますから、どうしたものでしょう。音楽用語で「グランディオース」としておきましょうか。その語だと心理学的な用法もある一方で、「壮麗な」というポジティブな意味にもなります。確かに、サン＝サーンスには壮麗な感じがするところがあると思います。それを「自分を大きく見せる効果に関心がある」と補足すると「誇大」の意味になってしまうわけです。

　元気で華々しい音楽という意味では、金管が炸裂すればみんなそれなりに聞こえてしまいますから、ブルックナーだってフランクだって、ワーグナーはもちろんシベリウスだって誇大と言えます。ただ、面白いのはこの人、作曲家ではシューマン、メンデルスゾーン、リストなどが好きであり、影響を受けていた、とされることです。この三人に共通する資質って、何なのでしょうか。見方は色々なので、そっとしておきましょう。そして擁護者としては複雑な立場をとったけど、やはりワーグナーにも心情的にはかなり熱烈に惹き付けられていたところがあったようです。作風には影響を受けなかったので、これは後で述べるような意味での純粋に気質の問題かもしれません。ちょっと考えさせられるところではあります。作曲家として当のサン＝サーンスに最低限当てはまることとしては、効果を使うことが上手な職人だったとは言えるでしょう。作曲技法において「職人的」だというのは（具体的にどの手法かはともかくとして）実際によく指摘されていることです。

　以上のことを勝手にキャッチフレーズのようにまとめさせていただくならば、「映画音楽とオッフェンバックになる作曲家」というのはどうでしょう。片方には映画のワンシーンのようにメロディアスで美しい部分があります。なんせこの作曲家、世界初の、もしくはそれに近い、映画音楽の製作者（「ギーズ公の暗殺」1908）なのです。元々雰囲気を盛り上げる職人の技があります。この交響曲第３番でも最初の楽章（第一楽章に当たる前半のアダージョと後半のポコ・アダージョ）は映画のようでうっとりさせられます。一方で第二楽章のアレグロやプレストは賑やかで、壮麗です。オッフェンバックと言えば、あの運動会の定番「天国と地獄」の人です。でもそう評するのは実はオリジナルの発想ではなくて、「バッハのように始まり、オッフェンバックのように終わる」と、あるピアニストが協奏曲の第２番についてすでに語っているのです（論者ジグムント・ストヨフスキは曲調のみでなく、恐らくは技法の意味で懐古的な手法とロマンティック／モダンな作法への二極分解に陥るこの作曲家独特の傾向について語ったのでしょう）。因みに「映画音楽や運動会のよう」が肯定的か否定的かと言えば、この時点では性質を語っているだけで、どちらでもありません。個人的には「オルガン付き」は大変気に入っています。

　でも、演出効果に熟達していて壮麗なことから、「内側のインスピレーションによる作曲ではない」などと言い出す人もあったようです。皮相的（superficial）というような言葉遣いをする人もいますが、それは評価的に過ぎるでしょう。サン＝サーンス自身、「芸術は美と個性を創造しようとすることであって、情感（feeling /sensibilité）はただ後からついて来るものだ。そして芸術はそれがなくても上手くやれるし、むしろその方がいい」などと言っています。形を作れば感情は後からついて来る、と言っているようにも読めます。この言い方は、ちょっとシニカルに構えて明晰に論評してみせるフランス文化の伝統なのでしょうか。それがラヴェルだったら照れ隠しでしょう。でもひょっとしたらこの作曲家の場合は、いくばくか素の性質を表しているのかもしれません。


外向者？
　心理学的に見るなら、こういうのは果たしてどう表現できるんだろう。作曲において、形式を重んじて「情感（感受性）は後からついて来る」というのは「外向的」な資質に思えます。これは有名な心理学者であるユングの性格区分で、彼は人の気質をまず大きく二つに分けました。外向と内向です。ちょっと分かり難い概念です。外向といっても、パーティ・アニマル（パリピ）の外交・社交的な人、というのと全く同じ意味ではありません。人付き合いがいい方の意味の外「交」的は英語だとソーシャブルでしょうか。一方、こちらの外向／内向はイクストラヴァート／イントラヴァートと言います。外向者というのは世にある知識に精通し、考えに客観性があり、他者の注意を引きつけることに関心のある性質の人であり、行動面で付き合いがいいかどうかはともかく、他人からどう見えるかという評価を気にします。価値基準が外側の世界にあるわけです。ブランド志向などというのは外向者の特徴ということになります。一方で内向者はその反対で、自分の内側の基準に従って行動し、内なる感情と直感を重視し、他人の目は気にしないタイプです。昨今はむしろ現象面である「社交的／内気」の軸に重点を置いて言われがちになっては来ているけれども、元々はそういう、気質の核となる原理のことでした。これをユングは生れながらの傾向で一生変わることがないと考えていたのです。本当にそうかどうかは分かりません。そもそも外向内向と言ったって、一人の人間の中に両方あるわけで、昔は進化論のダーウィンを外向者側に分類する学者がいたけど、最近は反対に内向者だと言う人もいます。でも、サン＝サーンスの興味が外に向かっていた、などと言うとなんだか妙に説得力があります。追い詰められると激昂してアクティング・アウト（外への攻撃）の方へ向かい、物を壊すなど、かなり乱暴になったこともあったようです。それは心臓に負担もかかるけど、この人は精神的に壊れると心身症状など、解離性の側へと倒れるタイプだったのでしょうか。外ばかり見る人をヒューズが溶けるようにして休ませ、自らを守るために内側の不調和に否が応でも気づかせる生体の知恵の働きです。いや、これは憶測であって全く分かりません。

     Marie-Claire Alain (org)

サン＝サーンス ／ 交響曲第３番ハ短調 op.78「オルガン付き」
ジャン・マルティノン／フランス放送管弦楽団 ♥
マリー＝クレール・アラン（オルガン）
　フランスの指揮者、フランスのオーケストラの組み合わせで、その観点で見たときの大御所の一人と目されるマルティノン盤です。１９１０年のリヨン生まれ。７６年に亡くなりました。この人もアルザスのドイツ系の血が混じっているようながら、ミュンシュとは違い、アメリカのオーケストラとは気が合わなかったみたいです。フランスの作品においては常に評価が高かったものの、決して角に力を込めない柔軟な歌謡性と洒落たアゴーギク、弱音の多用、華やかな音の聞かせ方といった、いわゆるフレンチらしいフレンチの典型という感じではないかもしれません。このエラートのサン＝サーンスでは比較的そんな部分もあるにせよ、どの演奏も全般的にはあまり形の崩れがなく、「これぞマルティノン節」という特徴は掴み難いことが多かったようにも思います。そして他のニュートラルな表現をする指揮者たちの間にあってはボディがしっかりしたところがあり、ドイツ的とは言わないけど力強さも十分に感じます。

　マルティノンの「オルガン付き」の録音は二つあります。ここで取り上げる１９７０年のエラート盤と、７５年の EMI 盤です。オーケストラは同じ、オルガンは前者がマリー＝クレール・アラン、後者がベルナール・ガヴォティとなっています。録音の程度に関してどちらも新しいものと比べれば多少見劣りするところがあるのは似たり寄ったりで、大きな音で弦や金管がきつめになるところも似ています。ここで７０年盤の方を取り上げたのは、オルガン奏者が有名だからではありません。７５年盤はテンポが比較的遅い方に寄って聞こえ、抑揚は旧盤の波打ち方よりややフラット気味に抑えられている一方、叩きつけるような力の入れ方では勝る傾向に聞こえたからです。このあたりは全く好みの問題だと思います。
　録音についてさらに違いを言うなら、７５年盤はオルガンの重低音は出ていないわけではないけど比べれば旧盤より少なく、オーケストラの低音も旧エラート盤の方が膨らんでいます。フォルテでの弦は新盤の方がややつや消し気味になる箇所もあるので、この時期の一般的な EMI 録音のメタリックな傾向とは多少異なるかのようではありますが、キンとする箇所もやはり聞かれます。ブラスもやわらかさと透明度はない方で（これに関しては旧盤も似たり寄ったりですが）、かなり元気が良い部類です。

　さて、エラート盤の演奏ですが、上で概括した通り、抑揚のつけ方が大変フランス的というわけではないけれど も、オーケストラはフランス的な音の演奏、と言える種類ではないでしょうか。
　テンポは他と比べてもゆったりしている方に入ります。出だしでは語尾を長く引いて延ばします。波打つようにビブラートの効いたオーボエが大変きれいです。他のパートは割と淡々として形を崩さないけれども、穏やかに歌う抑揚と言えます。
　第一主題に入ると定石通りで少し速度を上げます。明るい音色です。結構強弱の波はあり、曲線を描いて大きく盛り上がるところがある一方、速度の面で細かくは揺らしません。ただし前述の通り語尾でゆるめて長く延ばしたりするので、周期的には動いているとも言えます。弱音に落とす効果はしっかりと使い、弱いところにも表情があります。フォルテは丁寧で、駈けてダマになったりせず、解きほぐされています。したがって決して「爆演系」ではなく、力はこもっていながら余裕があります。こうした優雅さはアンセルメ盤とも近いところがあるとも言えるでしょう。もっと抑揚に動きがあって表情は大きいですが。

　緩やかなポコ・アダージョに入ると、やはりゆったりした運びで、のんびり感も出ます。間を取りつつよく歌い、弱音の囁きには寄せておらず、たっぷりしています。大らかで屈託がなく、陽性の心地良さというのでしょうか。後半は弱めて行くところが出るものの、淡々としていつつ語尾は柔軟に延ばして歌うという感じです。アンセルメ盤のスイス・ロマンドがフレンチ管らしい音だと言いましたが、このマルティノンもフランスの響きだと言えます。スイス・ロマンド管は特にバソン（ファゴット）が独特に聞こえる一方、こちらはオーボエも細身で艶があり、フルートは軽いです。弦も同様で、ドイツの楽団より明るい感じの響きでしょうか。自動車の乗り味と同じで、昔は今ほど国際化が進んでおらず、国別の特徴がより出ていたと言えるのかもしれません。

　スケルツォ部分ではそこそこにテンポを上げますが、丁寧ではあります。やわらかさがあって畳み掛けては来ません。
　フィナーレのオルガンは迫力の出だしです。テンポはやはりゆったりめで、おっとりした感覚も同じであり、そのまま雄大さへと変わって行きます。急がず悠然としていて、力強くもあるのです。中ほどで静まるところはかなり滑らかで静かになります。ラストにかけてもほとんど速くはなりません。

　１９７０年のエラートの録音です。当時のこのレーベルは録音バランスの良さでも知られていた通り、今でも十分に聞けるものですが、ブラスなどは多少割れ気味というか、賑やかにはなります。鋭さも感じられます。木管は艶があり、高音弦は強奏部で多少細くてきつめです。オルガンの重低音は地響きというほどではないにせよ、かなり出る方です。



  
     Saint-Saëns   Symphony No.3 in C minor op.78 “Organ”
     Zubin Mehta   Los Angeles Philharmonic
     Anita Priest (org)

サン＝サーンス ／ 交響曲第３番ハ短調 op.78「オルガン付き」
ズービン・メータ／ロスアンジェルス・フィルハーモニー管弦楽団
アニタ・プリースト（オルガン）
　上記のマルティノン盤と同じ年に出たメータ盤です。ご存知ペルシャ系インド人で、ボンベイ交響楽団を創立した人を父に持つながら親イスラエルという指揮者であり、録音においてはデッカから出していた LA フィルハーモニックとのデビュー間もなくの勢いのある演奏で大変人気が出た人です。１９３６年生まれです。バレンボイムとも気が合うようで、カラヤン、 バーンスタイン、アバドのいない現代の、エスタブリッシュメントの一角に食い込む巨匠の一人と目されています。

　メータの「オルガン付き」の録音は新旧二つあり、最初のがここで取り上げる LA フィルとのデッカ盤、新しい方がベルリン・フィルとの１９９５年のテルデック盤（オルガンはダニエル・コルゼンパ）です。新盤の方が新しいだけに録音は良いかもしれません。弦の音が個人的にはあまり好みの方向ではなかったのと、オルガンの重低音もレベルはあまり大きくないということがあるものの、このレーベルは音響的にも評価されているところです。でも今回そちらを取り上げずに旧盤の方にしたのは音質の話ではなく、演奏の面からです。メータが好きな方は、恐らく活きのいい方を求めるのではないかと思ったのです。新盤の方は、そちらが良い方もいらっしゃるとは思いますが、もう少しまったりしているように聞こえます。

　三十四歳頃の演奏です。第一楽章から若々しく元気で、少し速いテンポで間を空けず、前のめり気味に感じられるほどです。
　ポコ・アダージョの楽章はゆったりになり、重さと粘りも出します。

　スケルツォはそのままテンポを落としてかっちりとやりますが、歯切れが良く、力が入っています。
　フィナーレも基本は遅めでじっくりと鳴らし、所々でテンポを速めたりします。ラストに向けても勢いがあり、走り気味になります。

　当時優秀な音で聞こえていたデッカの１９７０年の録音です。悪くないです。それでも時代なりではあり、フォルテでは多少やかましく響くように感じるかもしれません。
　メータという指揮者については勉強不足ゆえに自分にはよく分からないところもあるようで、しっかりは書けませんでしたが、飛ぶ鳥を落とす勢いのあった人であり、「春の祭典」などの輝かしいオーケストレーションの曲で人気が沸騰しました。今もこれこそが「オルガン付き」だというファンの方もおられると思います。是非聞いてみてください。



  
     Saint-Saëns   Symphony No.3 in C minor op.78 “Organ”
     Louis Fremaux   City of Birmingham Symphony Orchestra ♥
     Christopher Robinson (org)

サン＝サーンス ／ 交響曲第３番ハ短調 op.78「オルガン付き」
ルイ・フレモー ／ バーミンガム市交響楽団 ♥
クリストファー・ロビンソン（オルガン）
　ルイ・フレモーも昔からのファンならよく知っている名前かもしれません。１９２１年にベルギーに近いフランスで生まれ、WW２時にはレジスタンス運動にも加わり、２０１７年に九十五歳で亡くなった指揮者です。ラトルが有名にしたバーミンガム・シティ・オーケストラの前任者でした。レパートリーは専らフランスものを得意としており、ドイツ系の曲は有名なものも含めてほとんど録音していません。それもあってか近頃はあまり再販もされていないようで（EMI が他にもフランス人指揮者を複数抱えていることもあるでしょうか）、どうかすると同じくフランス人のフルネと混同してしまうかもしれません。八つ上という近い世代だし、F で始まる短い名前と都響を振ったりしてる経歴も似ています。流麗かつダイナミックに切れが良くなる瞬間がある（晩年遅くなったフルネの場合は若い頃？）のも両者取り違えそうなところです。フレモーに関しては、このページではすでにカンプラとジルのレクイエム、フランソワのピアノによるショパンの協奏曲１番とジョン・ウィリアムスのアランフェス協奏曲の伴奏盤をご紹介していました。 何となくフォーレのレクイエムもやった気でいたけど、そちらはそれこそフルネと混同したからのようで、実際は取り上げてませんでした。よく聞き込んでないからそういうことになるわけで失礼極まりないですが、サン＝サーンスの「オルガン」は高く評価する方がおり、この人の代表盤かもしれません。一人のユニークな個性を類型に嵌めないようにしたいと思います。

　そのルイ・フレモーの「オルガン付き」ですが、フランス人らしく滑らかでスムーズな運びが洗練されていると言える一方で、ゆったり歌うばかりでなくテンポを動かし、速くて結構ダイナミックなところも聞かせます。そしてその瞬間でも荒くならないきれいさがあるのは、（また類型に嵌めてしまうけど）やっぱりフランス人らしいところ、なのでしょう。

　第一楽章出だしの部分はたっぷりとした運びです。やわらかく粘る抑揚をつけてよく歌うので、フレンチな雰囲気を期待した人を裏切りません。一方で第一主題からはスピードアップし、その後も時折やや速めと言えるテンポにまで加速して切れを見せます。しかし前述の通り、速くてきっぱりしていても流麗でスムーズなところがあり、ドイツ系の演奏者とは違ってフレーズがごつごつしたり、大きく間が空いたりはしません。
　ポコ・アダージョではまた大変ゆったりとなり、うねるように大きく歌い上げます。しかも節度があって滑らかです。

　スケルツォは速過ぎず遅過ぎずですが、くっきりとして丁寧めに、基本はややゆったりのテンポで運んで行きま す。堅苦しさや生真面目感はありません。所々で素早く流すのも同じで、フィナーレへとつなぐ最後のところは表情豊かにゆっくりと歌います。
　フィナーレのオルガンは力強いですが、やかましくはありません。節度と落ち着きがあります。

　１９７２年録音の EMI です。オルガンの重低音はしっかり出ています。最初からよく聞こえ、特定音程で強いところはあるものの、ほぼ満遍ないボリュームと言えるでしょう。録音全体のコンディションもかなり良い方に入ると思います。バランス的に低音も出ていて、しっとりとした潤いも感じられるのです。最高にクリアとまでは言えないかもしれず、強い弦がややさらっとしたり、金管が多少ドライ方向に華やかになるところもなくはないですが、このレーベルにはもっと割れて賑やかなものもあり、これはこの年度としては優秀でしょう。音像が多少引っ込んでいる感じで、楽器との距離を感じるものの、それがむしろ落ち着きとなっているのでしょう。



     
     Saint-Saëns   Symphony No.3 in C minor op.78 “Organ”
     Edo De Waart   Rotterdam Philharmonic Orchestra ♥♥
      Daniel Chorzempa (org)

サン＝サーンス ／ 交響曲第３番ハ短調 op.78「オルガン付き」
エド・デ・ワールト ／ ロッテルダム・フィルハーモニー管弦楽団 ♥♥
ダニエル・コルゼンパ（オルガン）
　プレートル（新）やマルツィオ・コンティ、カントロフ盤などと並んでこの曲で個人的には最も良かったものの一つです。というのか、古くはアンセルメも好きだけれども、この曲の魅力を初めて教えてもらったと言える懐かしい一枚であり、今なおベストだと思える演奏です。録音も素晴らしく、出た頃の LP 盤には測定された周波数グラフが掲載されているほどオーディオ的にも注目されていました。それはただオルガンの低音がどうこういうだけでなく、アナログ録音ながらバランス的にも大変優れたものでした。

　オランダの指揮者、デ・ワールトは１９４１年生まれで、ミトロプーロス指揮者コンペティションに勝ってバーンスタインとハイティンクの下で働き、６７年にロッテルダム・フィルの指揮者となりました。７３年からは音楽監督となって本格的なキャリアをスタートさせ、次にはサンフラン響の音楽監督にもなったけれども、その後はミネソタ管、オランダ放送フィルハーモニック、シドニー響、香港フィルハーモニック、ミルウォーキー響、ロイヤル・フランダース・フィルハーモニック、ニュージーランド響、サンディエゴ響などを指導して来たという経歴。素晴らしい郷土料理を楽しめないという話ではないけど、いわゆる世界有数のオーケストラのポジションに就いているメインストリームの指揮者たちとはちょっと立ち位置が違うようです。彼らと比べても劣るどころか良いところが感じられるのに、まあ色々あるのでしょう。２０２１年、八十歳の誕生日にオランダ放送フィルハーモニックが彼に対して、それまでの「桂冠指揮者（名誉の月桂冠を意味するコンダクター・ローリエット）」に加えて「副指揮者（アシスタント・コンダクターシップ）」という称号まで送ったという記事が出ていました。どんな人生が幸せかは分かりません。六回結婚したという話もあり、普通の感覚では尊敬に値するエネルギーです。その方面ではアバドやデュトワ、 プレヴィンより上かもしれません。どの方面で、上ってどういうことかは知りませんが。このページでもリヒャルト・シュトラウスの二曲とバッハのヴァイオリンとオーボエのための協奏曲、ホリガーによるモーツァルトのオーボエ協奏曲での伴奏盤などについてすでに言及していました。ここで取り上げるサン＝サーンスの３番は、この指揮者のベストでもあるのではないかと勝手に考えています。

　この盤が一番の一つとまで言える訳は、上記の通り録音の良さもあるのです。というのも、演奏マナーとしては、全体に見ればややゆったりな方ながら格別速くも遅くもないテンポ設定であり、速度・強弱の変化もない方ではなく、かといって付け過ぎる方でもない、という種類だからです。活きいきして実に適切ながら、この部分がこの人らしいという強烈な個性を指摘するのは難しいので、スターのようには評価され難い人かもしれません。同じオランダのハイティンクもそんなところがありましたが、中庸といっても決して無味乾燥の優等生ではありません。曲の構造をよく把握している実力者と言われる種類でしょう。この「オルガン付き」では柔軟に、自発的な心の動きをともなってよく歌っています。動機ごとに解釈がしっかりしており、落ち着いて細部に目が届き、全体として洗練された印象です。

　出だしはゆったりしていてよく語尾を延ばして歌います。グレゴリオ聖歌の第一主題から後は定石通りにスピードアップするものの、軽さと滑らかさがあって良いです。決して力づくではなく、荒削りなところがなくて上質な印象。テンポはこの楽章ではその後基本的にこのペースを保ち、重く粘るように遅くしたりはしません。

　本来なら第二楽章に当たるポコ・アダージョは、速くはないけれども極端に遅くもない、割とさらっとしたテンポ設定です。これが大変良い感じであり、最初からうねるように熱を込めたレガートで音量変化を大きく付けたり、思い切って囁くような弱音を駆使するという手段で振り幅を稼ぐのではなく、基本は心地良く流して行きます。しかし淡々としているようで情緒豊かにたゆたい、波打って揺れる滑らかな抑揚があります。お終いの鎮静の前に熱く盛り上がって行く感じも十分です。

　第二楽章頭のスケルツォも丁寧な出だしで走らず、でも遅過ぎずです。諧謔曲ながら滑らかで落ち着いていて、全体にはそれが却って説得力となるような運びだと言えます。途中スタッカートで飛ばす軽快さも見せ、曲本来のメリハリも効いていて良いです。動きが生きています。

　後半のフィナーレの部分では、出だしは力強いオルガンながらやかましくなく、やはり落ち着いた足取りで着実に進めて行きます。それでいながら生真面目な堅さには陥らず、生きたメリハリがあって瞬間瞬間に艶やかな歌を聞かせます。インテンポで進める結果、ラスト手前で速める効果も生きます。そして終わりも同じテンポで堂々と締め括ります。アジらない真性の力強さという感じです。

　フィリップスの１９７６年の録音です。前述の通り見事な優秀録音です。まずオルガンの重低音は出ています。かなり出ている部類でしょう。コルゼンパのオルガンは同時録音です。それはそうとして、フィリップスらしい生っぽい音のバランスがいいのです。弦は強奏部では少し線が細くなり、つや消し気味の強い音に寄る瞬間もあるものの、全体的には決してきつくなく、ふくよかかつ滑らかです。木管も艶があります。オーケストラのバランスとしては、低音もやわらかく豊かに出ています。

　ただ、この録音には音の良いことで知られているペンタトーン・レーベルから DSD 変換をした SACD ハイブリッド盤も出ているのですが、そちらは印象が異なりました。低音弦があまり強く響かないバランスになっており、フォルテでの高域は多少リファインされてるかもしれないけれども、全体としては力が減って細めに感じまし た（CD レイヤー再生）。同じ演奏がふくよかにではなく、もっとさらっと聞ける印象なのです。ちょっと悪く言うなら、やわらかさが後退して音色変化が減ったようにも感じられ、デジタル収録の別の演奏を聞いているかのように錯覚します。思わず録音日時を確認してしまうほどでした。オルガンの低音のボリュームも若干減ったでしょうか。このようにリマスターで印象は大分変わるものです。 今回ここで取り上げたのはフィリップスから移行したデッカ・レーベルの CD 盤（所有しているのは旧フィリップス盤）なわけですが、アナログ LP のときはさらにもっと有機的な滑らかさを感じさせるものだった記憶もあります（装置によって異なるので LP が絶対と主張しているわけではありません）。

　ワールトのサン＝サーンスの３番は、この後にサンフランシスコ交響楽団との新盤も出ています（オルガンはジャン・ギユー）。ゴールデン・ゲート・ブリッジがついたジャケットのやつですが、今回は取り上げませんでした。レーベルは同じくフィリップスで、そちらは１９８４年の録音です。旧盤の方だけ選んだ一番の理由は録音の問題でしょうか。新しい方もバランス的にはハイ上がりとかではなく、低音も出ていて自然なものかと思いますが、デジタル初期であり、音が大きくなるとこの方式らしいソリッドさというのか、強さが出ます。フォルテの弦が個人的にはちょっときつかったです。したがって優良録音ながら最優秀録音だとは感じませんでした。オルガンの重低音は旧盤同様に出ています。ボリュームがあるというほどでもないながら、十分低いところまで伸び、震える感じがします。

　演奏に関しては基本は同じ解釈だと言えるでしょう。でも多少慎重で覚めたところがあるような感じもして、旧の方が表情が豊かで生きており、感覚的には有機的な流れも感じさせる気がしました。このあたりは録音バランスでも大分違って聞こえます。第一楽章の伴奏部分でリズムを刻む弦などがはっきりと聞こえ、着実感がより増した印象です。少し四角くなった感じというのでしょうか。旋律線をなぞる乗りの良さでも旧盤かなと思う一方、新盤には強くクレッシェンドするところもあり、部分的には劇的です。テンポはやや遅くなったでしょうか。　
　ポコ・アダージョは速く感じないものの、タイム的には反対にやや短くなったようです。旧の方が若干歌に粘りがある気がします。
　フィナーレのオルガンはストップの選び方によるのか、一段重い音が加わったようで、力強く物々しい印象です。全体に重い運びで元気が良く、迫力があるのですが、音の加減もあって自分には少し辛いところもありました。むしろそちらの方が好きな方もいらっしゃると思います。



  
     Saint-Saëns   Symphony No.3 in C minor op.78 “Organ”
     Daniel Barenboim   Chicago Symphony Orchestra
     Gaston Litaize (org)

サン＝サーンス ／ 交響曲第３番ハ短調 op.78「オルガン付き」
ダニエル・バレンボイム ／ シカゴ交響楽団
ガストン・リテーズ（オルガン）
　バレンボイムはエド・デ・ワールトとは違い、バーンスタイン亡き後、メータやレヴァインなどとも並んで世界の桧舞台で注目を集めて来たエスタブリッシュメントの一人と言ってよいでしょう。もはや説明の必要はないことと思います。１９４２年アルゼンチン生まれのイスラエル国籍の指揮者です。このサン＝サーンスの「オルガン付き」はメジャー・レーベルであるドイツ・グラモフォンから出され、プリズム光のピラミッドのようなジャケット・デザインでこの曲の代表盤のように言われて来ました。メリハリのはっきりしたダイナミックな演奏で、その方面のファンの熱い支持を集めて来た一枚です。

　使っているオルガンもなんとシャルトル大聖堂のもので、カラヤンのノートルダムのと並んで有名な人らしい、有名な教会のものを別どりで使っています。聞きどころでしょう。

　第一主題が出るまでの出だしの静かな部分ですが、頭の無音のところを除いた実測で１分１６秒ほどあります。これはデュトワと並んでこの曲の演奏で最も遅い運びと言えるでしょう。バーンスタインやカラヤン、ミュンシュやプレートルよりもゆっくりです。語尾を長く延ばし、多少思わせぶりかなとも感じられるほどですが、バレンボイムの場合は後で盛り上げる部分とのコントラストを付ける狙いもあるのかと思います。そして最初の主題に入ってからスピードアップして走り出します。ここで速度を上げるのは楽譜上アダージョからアレグロ・モデラートになるので一般的な手法です。反対にゆっくりになったかのように感じる演奏としては、ほとんど速度を変えないバーンスタインなどがいるけれども、それは少数派です。問題はどのぐらい速くやるかということですが、バレンボイムは落差が大きいです。バーンスタインもテンポにメリハリを付けて行くやり方ながら、走るところが違います。そしてまたスローダウンし、ダイナミックにテンポを伸縮させて興奮度を表すことで、聞く側にサービスをしてくれているかのようです。力強いです。

　ポコ・アダージョの楽章は速めで、オンながら歌わせ方がさらっとしており、ミュンシュ盤とも少し似た印象で しょうか。弱音には寄せません。

　スケルツォも力がこもって活気があり、最後の楽章に当たる部分では所々で駈け足になったりして、またメリハリを付けます。ラストに向けても走り気味です。そして華麗な大技で荘厳なるフィナーレを迎えます。

　１９７５年録音のドイツ・グラモフォンです。低音はバランス的にしっかり出て、歪みはないながらかなり輝かしい高域です。フォルテはやはり多少ソリッドで、DG らしい音だと思います。弦はつや消し気味と言えるでしょうか。この演奏にはオリジナルのジャケットのものと、図柄を斜めに傾けた OIBP リマスター盤とが出ています。リマスターしてない方が若干高域が細く伸びてるように感じるかもしれません。リマスター盤の方は分解能がある一方で、ソリッド でクールな賑やかさも出るようです。オルガンの重低音は出ている方に入ります。



  
     Saint-Saëns   Symphony No.3 in C minor op.78 “Organ”
     Leonard Bernstein   New York Philharmonic
     Leonard Raver (org)

サン＝サーンス ／ 交響曲第３番ハ短調 op.78「オルガン付き」
レナード・バーンスタイン ／ ニューヨーク・フィルハーモニック
レナード・レーヴァー（オルガン）
　ウェストサイド・ストーリーの作者レニーについては説明は不要でしょう。カラヤンと並んで世界の巨匠として君臨したユダヤ系アメリカ人指揮者で、１９１８年生まれ。９０年に惜しまれつつ没しています。スケールの大きな演奏をする人です。上記バレンボイム同様にテンポも思い切って動かすことが多いと思います。このサン＝サーンスについては出た頃にその筋に評価が高かったのかどうかなど、不案内にして分かりません。名演と言う人もあるようだし、そうでないという人もいるようです。フレンチっぽくはないと思います。

　最初の楽章の印象は、大変ゆっくりしているということです。出だしは多くの演奏者がゆっくりやるわけで、そういう意味では語尾は延ばしても割と標準的な部類の速度とは言えるでしょうか。しかし第一主題が出るアダージョからアレグロ・モデラートへと切り替わるところで速くしないという面白い手段に出ているので、そこからの扱いで総体的に遅く感じるのだと思います。そして上ではバレンボイムと比較しかけたけれども、違いはバーンスタインにはどこかもっと重さが感じられるということです。このアレグロ・モデラート部分からの遅さがそんな印象をもたらしているのかと思う一方、この人には他の演奏の場合であってもそういう重量感が常にある気がします。若いときは違ったかもしれないけど、ものものしいと言っていいのか、どこか深刻さを感じさせるぐらいに重く粘ります。サン＝サーンスというフランス人が作った音楽のつもりで聞こうとすると戸惑うかもしれません。この人独自の個性的な音楽になっているでしょう。そしてこの頭四分の一の楽章においてはさらに粘るようなスローダウンを聞かせたりもし、テンポ変動がありつつ最後まで遅いままです。歌わせ方も適度に盛り上げはするものの、バレンボイムのようにはやる心のエキサイトぶりではありません。伴奏音が区切られて聞こえ、丁寧に一つずつ歌うようであり、滑らかというのでもありません。フォルテでは重いままにしっかり強く盛り上げます。

　緩徐楽章に当たる四分の二区分のポコ・アダージョもゆったりで、フラットに歌わせます。ここでも重さを感じます。

　四分の三目の区分になる第二楽章頭のスケルツォも、やはりゆったりです。重さのせいで弾むような諧謔曲とい う印象ではありません。ところが次の主題に入ると一気に加速し、誰よりも速いぐらいになります。バーンスタインの面目躍如でしょうか。若いときから亡くなる頃まで、こういうメリハリをどこかに付けるというのが彼のスタンダードだったと言えるように思います。ショービズの世界の心憎い配慮かもしれません。そして元の主題に戻ると速度も戻します。

　次にフィナーレ部分に入りますが、オルガンの長く尾を引く音が雄大です。ここもゆったりめで、特定フレーズをスローダウンさせたりします。それによってさらに巨大建築のようなスケール感が出ます。ラストはお約束で少しテンポを揺らし、駆け抜けて終わりはしないけれども劇的な感じを醸し出します。
　全楽章にわたって重く壮大な印象の演奏です。

　１９７６年コロンビア録音のソニー盤です。オルガンの重低音はしっかり出ています。音程によってむらはあるものの、一音だけ出ているというのではありません。それ以外の音響ではバランスは良いですが、フォルテの弦はややきつめかもしれません。



  
     Saint-Saëns   Symphony No.3 in C minor op.78 “Organ”
     Herbert von Karajan   Berliner Philharmoniker
     Pierre Cochereau (org)

サン＝サーンス ／ 交響曲第３番ハ短調 op.78「オルガン付き」
ヘルベルト・フォン・カラヤン ／ ベルリン・フィルハーモニー管弦楽団
ピエール・コシュロー（オルガン）
　フランスの演奏者とは考え方が違う、ドイツ流の重厚なパフォーマンスです。
　カラヤンには「カラヤン・レガート」という術語があって、「颯爽としたテンポ」のとき以外のこの指揮者の特徴のようにも言われます。滑らかで濃厚なクレッシェンドなどが聞けるわけです。しかしこのサン＝サーンスに関しては路線として正にそれという感じでもなさそうです。フランスものだからというわけではないでしょう。「幻想」あたりはかなり濃厚でした。かといって速いテンポで行く６０年代の演奏とも違います。デジタル最初期の８１年というのは例のザビーネ・マイヤー事件の一年前ということになります。どちらかと問われれば「カラヤン・レガート」の区画側ではあり、メロディー・ラインは滑らかながら伴奏のリズムがくっきりと区切られていて、落ち着いています。

　カラヤンといえば常に「華麗な」イメージがあるかもしれません。でも、バーンスタインのともまたちょっと違うものの、音の出し方自体にも独特の重みがあり、軽く華やかなフランスのオーケストラとははっきり別物と言えます。それを暗さととるか、しっとりしたクリーミーさととるかはともかく、マッシブでスムーズな印象です。トータルでは流麗なカラヤン節だとも言え、カラヤン・ファンには外せないと思います。

　出だしは中庸やや遅めのテンポです。オーボエの入りが早く、滑らかだけど割合淡々としています。最初の主題以降も音はともかく、あまり粘った歌い方はしない方です。メロディ・ラインはスラーで大きくクレッシェンドしたりはする一方で、この指揮者としては割とクールな運びに聞こえるのです。拍がくっきりとして落ち着いており、生真面目というのか、ひょこひょこと角が出るのがドイツ的でしょうか。

　ポコ・アダージョはやや遅めのテンポです。滑らかだけど案外力は入れずで、「浄められた夜」ほどの濃厚な抑揚はなく、まったりとしています。粘る大きなクレッシェンドの歌があるわけではなく、特に消え入るような弱音に寄せる風でもないのです。ただ、多少息苦しいぐらいに重い感じはします。音はつなぐけど、華麗なカラヤン・レガートでもないと言ったら良いでしょうか。洗練されているとも言えず、どこか構えが感じられる気はするし、個人的にはもう少し延び縮みがあるとありがたかったです。でもそれは全くの好みの問題でしょう。真面目で大きな演奏です。

　スケルツォはテンポ感があります。颯爽というのか、少し速い進行です。そして途中の展開はかなり飛ばします。でも全体には磨かれていて音に重さがあり、弾む諧謔というより多少厳めしさの方に寄るでしょうか。「悲愴」の軽快な部分を聞いているかのような印象です。

　フィナーレのオルガンの開始は壮大です。これはノートルダム寺院で別どりしている部分です。バレンボイム盤のシャルトルと並んで立派な大聖堂です。他にもストラスブール、ランス、ルーアン、アミアンなど有名なカテドラルはあるものの、こちらはちょっと前に焼けてしまった首都パリの、フランス一有名なものです。そうなるずっと前に行ったことはあって、登ると怖いぐらいの高い建物でした。比例してオルガンも大きいです。でも礼拝で鳴らしてるぐらいではよく分からなかったもので、これで聞くと圧倒されます。火事では無事だったようで何よりです。そしてこの「オルガン付き」の部分、数々の録音の中でも最も荘厳な音絵巻の一つではないでしょうか。和音が多く感じられ、重低音ではないけれども低音ががつんと響く、華やかで大掛かりな音響です。高い方の倍音の縁取りも明快です。 加えてブラスも元気です。テンポは中庸で決して速くはなく、スケールを感じさせるような、やや遅めと言える設定です。ラスト手前で型通りに少しだけスピードアップするのを除けば、ここもインテンポでがっちりと行きます。最後の瞬間まで力を込め、大音量で雄大に終わります。

　１９８１年のドイツ・グラモフォンで、デジタル録音です。弦の音に適度に艶と潤いがあって、移行期ながら音は決して悪くありません。ベルリン・フィルハーモニー大ホールの収録であり、低音は響く一方、中高音の残響は長くはないです。クールとは言わないけれども、このレーベルらしく、生っぽいやわらかさで行く感じではないでしょう。オルガンの重低音はあまり出ない方です。



  
     Saint-Saëns   Symphony No.3 in C minor op.78 “Organ”
     Charle Dutoit   Orchestre Symphonique de Montréal ♥     

楽曲は楽譜と演奏記号で出来ているのだから、そのあり方から離れて「情感」というものが独立して存在しているわけではない。譜になる前の、出発点としての作曲家のパトスを掘り起こすべきだ、などというのは観念論に過ぎない。そもそもが形式と内容という具合に物事を分けるべきではないし、仮に分けるならば、演奏者というものは設計図を分析し、それを正確に音にして行けば曲の内容の方も、情緒も含めて完全に表現できるのである。

　今回サン＝サーンスで初めて取り上げてみた理由は、「クープランを讃えて」だけでなく、小澤征爾はフランスものが得意な指揮者だと言われることもあるからです。ラヴェルの曲については全部が好きではなかったけれども、この「オルガン付き」は期待するところがありました。ただ、具体的に描写するのはやはり自分にはなかなか難しいようです。

　最初の楽章から端正で丁寧な運びが印象的です。ある意味透明感があると言えるでしょう。導入の部分は完璧ではないでしょうか。第一主題の入りはゆったりに聞こえ、ここで段をつけて速める感じがしないのはバーンスタインの解釈とも共通しています。そして一歩ずつ進めて走らず、強くなっても激することなく正確であり続けます。全体のテンポは中庸です。
　ポコ・アダージョの楽章になると適度に遅くなり、まったりとします。表情は素直で真っ直ぐです。

　スケルツォは間を多く取らず、整然として切れの良い、小気味良い運びです。大変清潔な感じがします。テンポはすっきりと速めです。ここは気持ちの良い表現ではないでしょうか。終わりの方のストリングスによる歌もきれいでいいです。「クープランを讃えて」の爽やかでありつつ抑揚のある歌の表情とも共通しています。
　フィナーレに入ると、乱れはないけれどもオルガンの入りから力強さが感じられます。ラスト手前で定石通りに速くはするものの、落ち着いていてトータルではインテンポです。速度自体は遅くはないです。どこもパーフェクトであり、これは力任せの大仰なものよりずっと好きです。最後の音が残響の中に長く溶け込んで行くところが美しく響きます。

　EMI１９８５年の録音コンディションは良好です。オルガンは別どりで、音圧が最大限ではないながら重低音は 結構出ます。出るか出ないかの区分で言えば、出る側でしょう。オーケストラはフランスのもので、明るさを感じさせるのはそのせいもあるでしょうか。



  
     Saint-Saëns   Symphony No.3 in C minor op.78 “Organ”
     Claus Peter Flor   Berliner Sinfonie-Orchester ♥
      Joachim Dalitz (org)

サン＝サーンス ／ 交響曲第３番ハ短調 op.78「オルガン付き」
クラウス・ペーター・フロール ／ ベルリン交響楽団 ♥
ヨアヒム・ダーリッツ（オルガン）
　クラウス・ペーター・フロールは１９５３年ライプツィヒ生まれのドイツの指揮者で、クルト・マズア、ラファエル・クーベリック、クルト・ザンデルリンクなどに指揮を学び、１９８４年から９１年までベルリン交響楽団の首席指揮者だった人です。リオール・シャンバダールが引率する旧西側の同名の楽団ではなく、現在ベルリン・コンツェルトハウス管弦楽団と名称変更している旧東ドイツの方の楽団です。指揮者としての知名度はさほど高くはないかもしれませんが、この録音時は三十二歳。日本盤として売り出され、雑誌等で賞ももらい、このサン＝サーンスの「オルガン付き」は名演とされていたようです。バンベルク交響楽団とのメンデルスゾーンのシンフォニーと並んでこの人の代表盤です。

　シャルプラッテンの録音が大変良いバランスです。弦も木管もきれいな優秀録音です。魅力の大きなポイントだと思います。演奏の方は、トータルではテンポは遅め、いかにもドイツ流かどうかは分からないけれどもフレンチっぽくはなく、落ち着いた東ドイツの伝統を感じさせるような正統派のパフォーマンスだとは言えるでしょう。同じ♡一つをつけたデュトワ盤よりも静けさとやわらかさ、自然さにおいて個人的には魅力を感じます。でも単純な楽譜通りではなく、なかなか読みも深くて意識の高い、工夫の感じられるものです。緩徐楽章部分（ポコ・アダージョ）は大変遅く、ラストでは速くなって力も感じさせます。具体的に見ましょう。

　第一楽章は中庸のテンポで始まります。でも間は大きめに取ります。そして第一主題からのスピードアップはあまり顕著ではありません。したがってそこからの本番部分はわりとゆったりした運びに感じられます。ただ、テンポは自然に延び縮みし、呼吸が感じられます。四角四面の演奏ではないのです。縮むといっても走りはせず、平均して緩やかであり、弱音部は穏やかです。

　本来は第二楽章に当たるポコ・アダージョは、やはり最初から間が大きいのが印象的です。静かな運びで大変ゆったりとしており、大河のように滔々と流れて行きます。タイムとしては１１分１３秒ほどかけ、バーンスタインより遅いです。これはこの楽章としては最もスローな部類であり、マーラーのアダージョを聞いているようなというのか、チェリビダッケの晩年の演奏みたいにも聞こえます。遅いはたっぷりとも言い換えられるけれども、歌自体はあまり大きくはありません。静けさが魅力なのです。最初は抵抗を覚えるかもしれません。でも慣れるとこれはこれで良いところがあるようにも感じます。

　第三楽章に当たるスケルツォ部分ですが、焦らず伸びやかに、ややゆったりのテンポで丁寧に運んで行きます。全体の三分の二ぐらいのところから始まる、通常は駆け足で行くパートの処理が面白いです。タイムで言うと５分３８秒前後から後の辺りですが、珍しく走らずにゆっくりにして、分解的に運んで行くことで普段聞き慣れないパートが聞こえたりします。技ありの工夫だと思います。終わりの部分も大変ゆっくりで、その独特の効果に少し驚かされます。

　フィナーレはオルガンの入りが澄んでいてきれいな音です。ここも一歩ずつという感じでゆったりな運びであり、その後のオルガンも余裕をもって鳴らされることで全体がほぐされ、塊にならないのでやかましく感じません。ただ、面白いのはそのままおっとりで終わるのかと思ったらさにあらずで、ラストに向けて加速して行き、結果的にかなり速くなります。熱が入り、ゆったりから迫力のある展開へとなだれ込んで行くのです。最後まで乱れることはないけれども、このスケールの大きさは乗りの良い演奏を求めるファンの方にも大変満足できるものだと思います。

　１９８６年録音のドイツ・シャルプラッテンです。旧東側のレーベルで、当時は音源を買って来るのも安かったかもしれないけど、技術は一流であり、上述の通り大変優秀な録音です。でもそれはオルガンの重低音が出るという意味ではなく、全体に見ての話です。オルガンの低音自体は低い方までよく伸びてはいますが、音圧が格別大きいわけではありません。♡♡にしなかったのはポコ・アダージョの楽章が他に例がないほどゆったりしていることと、どこにもまるでフランス的な要素が感じられないところからです。でもそういう曲として聞けば、非常に魅力的です。



  
     Saint-Saëns   Symphony No.3 in C minor op.78 “Organ”
     James Levine   Berliner Philharmoniker
     Simon Preston (org)

サン＝サーンス ／ 交響曲第３番ハ短調 op.78「オルガン付き」
ジェイムズ・レヴァイン ／ ベルリン・フィルハーモニー管弦楽団
サイモン・プレストン（オルガン）
　ジェイムズ・レヴァインは１９４３年生まれで２０２１年に亡くなったユダヤ系アメリカ人指揮者です。メトロポリタン歌劇場の音楽監督という地位を得て２０１８年に解雇されるまで活躍し、オペラに強い指揮者とされる一方で、世界中の有名オーケストラに登場し、大手ドイツ・グラモフォンから数々の録音をリリースしました。名門ベルリン・フィルを指揮したこの１９８６年のサン＝サーンスは同レーベルの７５年のバレンボイム盤や８１年のカラヤン盤と並んで抽象パターンのジャケットを纏い、エスタブリッシュメントとして一時期各メディア推しの有名な盤でした。それら三枚の中では新しい分だけ録音も明晰で、各部の処理が十分に考えられていながらどこかあっさりした印象もあります。完成度の高い演奏だと思います。フランス的洗練という方向ではないし、独自の色はなく、意外な呼吸の妙なども感じさせないかもしれないけど、出るところは出、引っ込むところは引っ込み、押さえるべきところは押さえてよく抑揚も付けつつ、十分に歌ってもいます。「アメリカ的にざっくりとした明るい分かりやすさ」などとも言われるようだけど、安心できる表現であり、欠点のない名演でしょう。コントロールはしっかりする一方で、ひょっとすると上手なオーケストラには委ねる術も知っているリーダーだったのでしょうか。　

　出だしのテンポは中庸ややゆったりで、語尾はしっかりと延ばします。第一主題からは思い切ってテンポを速め、メリハリを付けます。バレンボイムと同じ扱いですが、よりくっきりとさせています。全体の印象としては適度にダイナミックながら、割とさらっとしていてバーンスタインのような重さは感じません。

　ポコ・アダージョの楽章での歌い方も、最初はあっさりしている印象です。テンポも中庸で遅くはありませ ん。濃い抑揚はなく、これといって特徴のない感じでさっと流しているようなのですが、後半になるとだんだん粘りと 歌の大きさが出て来て、熱が入って来ます。考えられています。

　スケルツォは中庸なテンポで確実に運びます。歯切れが良く、力も感じさせる展開で、ここはかなりダイナミックな印象です。中間部は痛快に素早く駈けます。そして終わりの方のゆったりしたパートに来ると思い切って静かに歌わせ、それも途中から段を付けてぐっと抑えて行くようにメリハリを付けます。そうしておいて静寂のうちに終わり、次の楽章へと渡します。

　フィナーレは十分に力強く、悠然と運びます。バレンボイムほどはダイナミックな抑揚は付けないでしょうか。ラスト手前も走らず、最後の部分も却って一段遅くするぐらいの感覚で堂々と締め括ります。

　１９８６年録音のドイツ・グラモフォンで、大変良い音だと思います。ダイナミック・レンジが大きく取られていて明晰であり、このレーベルらしいバランスです。特にハイ上がりでもなく、被るわけでもでもないし歪感もありませんが、フォルテは多少ソリッドな感じはします。弦の高音は固まらないけれどもさらっとし、特にブラスの強い音は結構きつめというか、色気がある方ではないと言えるでしょう。低音が出ることでの全体のやわらかさは十分あり、トゥッティ以外では弦もきれいです。そしてオルガンの重低音ですが、ほどほど出ています。強いわけではありません。区分けするとすれば出ると出ないの中間でしょうか。



     
     Saint-Saëns   Symphony No.3 in C minor op.78 “Organ”
     Georges Prêtre   Wiener Symphoniker ♥♥
     Marie-Claire Alain (org)

サン＝サーンス ／ 交響曲第３番ハ短調 op.78「オルガン付き」
ジョルジュ・プレートル ／ ウィーン交響楽団 ♥♥
マリー＝クレール・アラン（オルガン）
　ジョルジュ・プレートルはフランスの指揮者です。ベルギーとの国境近くで１９２４年に生まれた人で、世代としてはミュンシュが１８９１年、マルティノンが１９１０年、フルネが１３年、フレモーが２１年、プラッソンが３３年なので、フレモーとプラッソンの間ぐらい、有名なフランスの大御所たちより少し後の世代ということになります。個人的にはこの指揮者、熱心には聞いて来なかったところがあるので、今回は得をした気分です。日本では特に音楽関係の出版物を執筆するような人たちから、主に「意外性のある表現」に関して否定的な評価を受けて来たようですが、その方面はあまり読まないので自分が聞かなかったこととは関係がありません。理由はレパートリーの問題もあるけれども、何となくフランスの指揮者としては力一杯の熱演というか、元気な演奏をする人というイメージがどこかでついてしまっていたせいなのです。ちょこっと耳にしただけで先入観を持つのはいけません。このサン＝ サーンスは意外といっては失礼、ちゃんと聞いたらこの曲のベスト・パフォーマンスの一つと言えるものであり、なんと、ベスト・オブ・ザ・ベスト、かもしれません。

　そのプレートルですが、若いときはジャズ・トランペットに熱中していたそうです。ただの趣味じゃなくて、大物ポップス歌手の伴奏なども務めていたようなので本格です。楽器の性質からいってもバップ系の元気の良い即興などは得意だったのかもしれません。クラシカル耳じゃない音楽の捉え方も出来たということでしょう。指揮者としては主にオペラで活躍して来ており、本人に気に入られていたマリア・カラスとの録音は評価が高いです。オペラ以外でも、フランスのみならずアメリカ（ボストン響／フィラデルフィア管／シカゴ響）やウィーン（ウィーン交響楽団／ウィーン・フィル）、ドイツの交響楽団（シュトゥットガルト放響）でも活躍して来ました。カラヤンには気に入られていたようだし、ニューイヤー・コンサートの指揮も二度務めました。したがってレパートリーはオペラとフランスものが中心ながら、ドイツものも十分にこなして来ました。指揮はクリュイタンスやピエール・デルヴォーに習いました。映像記憶型だったかどうかは分からないけど、長く複雑な曲でも暗譜で行ける人でした。私生活では、女性関係に関してはデュトワのように派手なことは何もなく、乗馬や航空機操縦、日本の武道にも情熱を持っていたとのことで、興味の広い人のようです。２０１７年に亡くなっています。人物は分かりませんが、写真は楽しそうに写ってるものが多いです。

　プレートルの「オルガン付き」は二つ録音があります。最初のは１９６４年の EMI 盤で、オーケストラはパリ音楽院管弦楽団。オルガンはモーリス・デュリュフレでした。デュリュフレは有名な作曲家です。プレートルはこの人から作曲における和声法を学んでいます（自身も作曲しています）。演奏解釈自体は新盤と大きく異ならないもので、大変良いと思います。最後の楽章の終わりに向けて、新盤より少し拍の力が抜けているでしょうか。フランスの楽団の音ということもあって魅力的ながら、ここでは主にその録音の古さゆえに取り上げないことにしました。弦は低い方の楽器がボリュームがあり過ぎるほどなのにもかかわらず、高音弦はややシャランとしていて艶がなく、個人的にはちょっとがさついて聞こえたし、透明度がある方ではないので金管やシンバルもきつく感じました。レーベルと時代から仕方のないことだと思います。こちらの許容度が低いからそういうもの言いになるだけで、本来の演奏の方に目が行って気にならない方もいらっしゃると思います。

　それでは、上にジャケットを掲げた新盤の方です。こちらはウィーン交響楽団とのもので、プレートルはそこで １９８６年から首席客員指揮者でした。９０年の録音です。
　一番だと思えるほど魅力的なのに、これも具体的にどうこうと説明するのが難しい部類の演奏です。テンポを全く動かさないという挙に出るわけではないけれども、割とインテンポに近い印象というか、決してはやって走ったりする感じではありません。そして遅いところばかりではないけど、どちらかというと全体にはゆったりで通している印象で、セイジ・オザワのようではないにしても特に変わったことはせず、日本の評論家が「伝統に則らない奇抜」と言うようなところはどこにも感じられません。作為的だったり情緒過多だったりしないけれども、とにかく歌わせ方が自然で情に深く、活きいきとしているところが魅力です。艶と透明感のある優秀な録音も相まって、どこもが心地良いのです。個々に見ます。　　　

　第一楽章ですが、ゆったりと歌って入ります。でも過剰さは感じません。第一主題からは楽譜のお決まりで少し加速し、多少軽快な中庸のテンポとなります。これといった趣向はないけれども、一つひとつの歌を滑らかにつなぎつつよく歌い、リズムは弾力をもって心地良く切って行きます。大変表情豊かで、自然な感情の動きが波となって現れ、実に適切に感じます。一部の有名な指揮者で見られるようなやり過ぎ感がないのです。フォルテへの盛り上がりにも、弱め遅くする仕方にも呼吸があり、活きいきしていて瑞々しいです。

　ポコ・アダージョの楽章には歌に心があります。思わず「心」と言ってしまいました。何だか「ロマンがありますね」みたいなもの言いです。つまり、十分ゆったりな気分になるけれども、具体的に言えばテンポ自体は最初は特に遅い方ではありません。ただ、適切なところでよく音の語尾を延ばすのでゆったりに感じます。途中からは徐々に速度を落として行く感じになり、客観的にも遅めとなります。それで何と言うのか、また言ってしまうけれども正に心から湧き上がるかのような歌になっていて気持ちが良いのです。４分１０秒あたりからの弱音の中間部（転調とピツィカートの前）で弦が掛け合うところでは、通常は前の部分より少し速めるものながらそうせず、ゆったりを維持します。それによって独特の美しさが感じられます。そしてそのテンポはずっと保たれ、最後は大変ゆっくりとなって終わります。クラウス・ペーター・フロールのまるでマーラーの緩徐楽章を聞いているような運びほどは遅くないけれども、デ・ワールトやコンティよりはたっぷり歌わせており、この楽章としては個人的には最も心地良かったものに入ります。

　スケルツォのテンポはまた中庸です。タッチは軽過ぎず重過ぎずで、力強いけれども乱れません。でも他の楽章は割と速度一定のような感覚があるものの、この楽章はインテンポで押し通すクラウス・ペーター・フロールのような効果は狙わず、速めるところは速めます。ピアノも登場する次の主題が１分３８秒あたりから始まりますが、そこからはかなり軽快なテンポで活きいきと進めます。録音が良いので瑞々しいです。ラストで弦が静かになるところはテンポこそ遅くはしないものの、静かで爽やかです。そして最後でぐっと速度を落として次へと受け渡します。　

　フィナーレですが、濁りなく力強いオルガンで始め、ここも中庸のテンポです。繰り返し挟まって来る弱音への展開部の扱いが丁寧できれいです。テンポは一定で延び縮みはさせず、細部まで丁寧に描きます。ラスト手前で皆が加速する部分も駈けることなく一定で、最後は重おもしく整然と、力強く締めます。

　エラート１９９０年の録音は大変優秀です。艶が感じられるけど、それが特に強くてフォルテで耳に痛いことはなく、自然で生っぽいです。ホールトーンも感じられ、低音弦もバランス的にはふくよかに出ています。金管も多少後ろに後退していながら、強さは十分あります。ただしオルガンの重低音に関しては、低い方に伸びてはいるものの、ボリュームはない方です。区分けするとしたらあまり出ていない側に入るでしょう。でもフランスのオーケストラでないことも含めて、その点はあまり気になりませんでした。



  
     Saint-Saëns   Symphony No.3 in C minor op.78 “Organ”
     Myung-Whun Chung   Orchestre de l’Opéra Bastille
     Michael Matthes (org)

サン＝サーンス ／ 交響曲第３番ハ短調 op.78「オルガン付き」
チョン・ミュンフン ／ パリ・バスティーユ管弦楽団
マイケル・マッテス（オルガン）
　韓国の世界的指揮者、チョン・ミュンフンと旧パリ・オペラ座の管弦楽団によるサン＝サーンスです。欧文表記だとミャンウン・チャンで、本人はミョンウン・チョンと英語で自己紹介しており、韓国語だとチョンミャウンとかチョンミャンフンのように聞こえるようです。この国やハンガリーの人はどう日本語にするのが良いのでしょう。ここでは以前もチョン・ミュンフンとしていたので、今回もそのまま慣例に従っておきました。

　日本には世界のオザワがいますが、韓国でちょうどそんな地位に就いている人です。ただし世代としてはオザワが１９３５年生まれなのに対し、チョンは５３年なので大分若いです。ソウルで父親が公務員、母親が料理店を営むという音楽に関係のない家庭に生まれ、その後全員での渡米が叶って音楽一家（姉がヴァイオリンで有名なチョン・キョンファとチェリストのチョン・ミョンファ）となるサクセス・ストーリーで、本人は幼い頃からピアノの才能があり、チャイコフスキー・コンペティションで二位に入ったこともあります。指揮者としては LA フィルハーモニックでジュリーニの下で学びました。大成した後はソウル・フィルを世界レベルに引き上げながらも派閥を二分した激しい権力闘争に巻き込まれたり、家族縁故の利権だとかの大統領並みの噂も出たりして（真偽のほどは定かじゃないし、チョンさん全く悪い人に見えません）、まるでどれもが韓国ドラマのようです。国による色ってあるんでしょうか。それなら二人でお酒を飲んでて記憶を失い、朝そろってベッドで裸で目覚めてびっくりという定番劇も現実かもしれません。王朝時代の太子が急に現れるのも夢じゃないかもしれないわけです。親日派で、天皇家とも仲が良く、日本のオーケストラとも共演したり指導したりしています。

　ここでの録音は１９９１年です。それ以前もチョンは各地で有名楽団を指揮していたりはしたものの、本格的に世界への足掛かりを掴むべくパリ・バスティーユ・オペラ（ルイ１４世の頃に遡る歴史を持つ、オペラ座で活動するパリ国立オペラ／国立歌劇場と同じ団体で、１９８９年にバスティーユに新設されたバスティーユ歌劇場落成以降に、特にその付属管弦楽団がバスティーユ管と呼ばれる）の初代音楽監督として立った二年後というタイミングです。元々バレンボイムが就任予定だったものの、音楽マネジメント側の決定に楽団が反発してその招聘を拒否し、宙に浮いてしまったポストに楽団自らが立てたのがこのチョン・ミュンフンだったのです。これによって彼の名は知れ渡ったわけですから、その栄光の始まりの時期ということになるでしょう。本人は時々自分を韓国人であるのと同じぐらいにフランス人やイタリア人のように感じるとも語っています。

　世界のチョン・ミュンフンですから、やっぱり小澤征爾と比較するべきでしょうか。ちょっと無理やりな気もするし、日韓の比較となるとより大ごとです。でも似てるところもあるかもしれません。
　音楽界一般となると、ポップスの世界では韓国の歌手は歌が圧倒的に上手です。それに対してどこかの国って何気に下手じゃん、などと言ったら大問題だけど、街で可愛さからスカウトされ、そのまま歌手デビューして音量コントロールも音程もハッピーという状態で OK の場合もあるように思います。人々が上手さを求めてないというのか。ただ、韓国のシンガーはティーンの頃から缶詰の全寮生活で人権無視のトレーニングを受けてることも多く、芸能界はどこもそうかもしれないけど契約でがんじがらめの搾取構造があるのだと聞きます。そうなるとどっちがいいのか複雑ではあります。果たしてこうした違いは何に由来するのか。分からないけれども一つ言えるのは、素晴らしいことに若者たちの間では、昨今は日韓もお互いに好感情を持ってるようだということです。

　では、クラシック音楽界はどうでしょうか。ジャケ買いがより横行するのは日韓どちらで、技術レベルはどっちが上なんだろう。これは敏感過ぎてとてもここで扱えないし、そもそも知りません。一般にそれぞれの国民性と言われるのは、韓国の人は感情表現がストレートで、年齢の上下にうるさく、情に訴えて家族重視の傾向があり、社会は学歴競争が激しくて言葉は濁音と破裂音を区別しない。ツがチュになっちゃう問題もある、など、色々あるでしょう。一方で、日本人の口から日本の国民性を聞くと「共生」とかのキーワードが飛び出して来ちゃいそうだけど、それは最近流行の「同調圧力」と同じことです。ひょっとすると、権威とメディアの統制圧が人々に具現化したものかも分からないけど、ひとまずは国民性だと思われてるわけです。でもこれら以外は兄弟国家の両国民、かなり似てないでしょうか。

　音楽表現においては日韓で共通する二つの側面があるかのように感じます。まず、ひねりがなく真っ直ぐなこと。そして一皮剥くと演歌のメンタリティーが顔を出すこと。演歌というのは、換言すれば自己陶酔的な情緒纏綿のことです。自己憐憫が基調となる国民の生活環境は何かということはひとまず置くとして、韓国の場合はこれを言い表す特別な言葉があります。「恨（ハン）」というものです。上の階級による圧政に忍従しなければならなかった者の心のあり方だと本国では解釈されていますが、文字通りのただの恨みの感情ではなく、憐憫の心地良さを伴っています。なぜ辛いことが心地良いのでしょう。それは肯定的なものと同じように否定的なものも取り込むアイデンティティの作用から来ます。例えば自分の病気を誇らしげに語る人のことを思い出してみてください。痛気持ちいいのです。この「恨」という感情が韓国人と日本人の違うところだ、などと言う人もいますが、違わないと思います。演歌は韓国のトロットにそっくりです。由緒ある日本の社会的同調圧力が忍従に近いからでしょうか。中国にはまた少し別の感情の出し方があるかもしれないけど、こういう心情はどうも東アジアには馴染みの傾向なようで、音楽表現の中にそれが表れていても、恐らく西ヨーロッパの人は聞いてもそういうことだとは気づかないと思います。

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